Desde su lanzamiento en 2002, Chicago se ha convertido en un referente esencial en la historia del cine musical, no solo por su sobresaliente calidad técnica, sino también por la forma en que revitalizó el género para audiencias modernas. Este filme, inspirado en el aclamado musical de Broadway creado por John Kander, Fred Ebb y Bob Fosse, significó la resurrección de los musicales en el cine, estableciendo un hito en la percepción crítica y comercial de este tipo de obras.
Una apuesta estética y narrativa innovadora
La película bajo la dirección de Rob Marshall se destacó de otras versiones musicales anteriores al emplear una táctica innovadora: fusionar el relato narrativo con escenas musicales que surgen de las fantasías de sus personajes principales. Así, Chicago logra combinar el entendimiento de los personajes con coreografías enérgicas y escenarios opulentos, que evocan el ambiente de los cabarets de la década de 1920 en Estados Unidos. Este enfoque permitió examinar temas como la celebridad, la corrupción y el control mediático de una manera sarcástica y dinámica, resaltando la relevancia de estos temas en la cultura popular.
Cabe destacar el trabajo coreográfico, claramente influenciado por el estilo de Bob Fosse: movimientos angulares, poses dramáticas y una energía casi felina que imprime identidad a cada secuencia. Canciones como “All That Jazz” y “Cell Block Tango” ejemplifican la capacidad del filme para fusionar espectáculo y profundidad dramática sin perder cohesión argumental.
Un elenco capaz de desafiar prejuicios
El reparto seleccionado para los roles principales generó discusión en su momento. Renée Zellweger, Catherine Zeta-Jones y Richard Gere no eran conocidos por tener antecedentes en el ámbito musical. Sin embargo, gracias a la cuidadosa dirección de Marshall, lograron presentar actuaciones destacadas y persuasivas, enriqueciendo la narrativa y desafiando la idea de que solo los artistas con experiencia en teatro musical podían protagonizar proyectos de este tipo en la gran pantalla. Este enfoque permitió abrir nuevas oportunidades en los musicales cinematográficos, demostrando que la capacidad interpretativa versátil podía ser esencial para captar una audiencia más amplia.
Destacan especialmente las transformaciones vocales y físicas del reparto, que se sometió a rigurosos entrenamientos tanto de baile como de canto. Catherine Zeta-Jones, quien interpretó a Velma Kelly y fue reconocida con el Premio Óscar a Mejor Actriz de Reparto, encarna este logro: su presencia escénica y soltura en la danza dotaron al personaje de una fuerza arrolladora, convirtiéndola en un paradigma de la femme fatale moderna.
Crítica recibida, galardones y huella en la industria
El éxito de Chicago fue apabullante. Recaudó más de 300 millones de dólares a nivel mundial y se convirtió en el primer musical en ganar el Premio Óscar a la Mejor Película tras casi tres décadas, desde ‘Oliver!’ en 1968. Obtuvo seis estatuillas en total, incluyendo el reconocimiento a la mejor dirección artística, edición, vestuario y sonido, lo que evidencia la admiración tanto del público como de la crítica especializada.
La influencia de Chicago se extendió más allá de los premios. A raíz de su éxito, Hollywood reavivó el interés en los musicales, generando una oleada de proyectos de gran envergadura como ‘El fantasma de la ópera’, ‘Dreamgirls’, ‘Los miserables’ y ‘La La Land’. Esta revalorización también se evidenció en la estrategia de difusión y marketing: se apostó por lanzar largometrajes basados en obras teatrales, priorizando el espectáculo visual y adaptando guiones para conectar mejor con la sensibilidad posmoderna. Además, el empoderamiento de personajes femeninos y la crítica a los medios masivos pasaron a tener un peso sustancial en la construcción de narrativas musicales.
Interpretaciones estilísticas y culturales subsecuentes
Uno de los logros más notables de Chicago radica en la forma en que actualizó el lenguaje audiovisual del género, mediante referencias cruzadas entre el cine clásico y la estética videoclipera contemporánea. El montaje ágil, el empleo de planos secuencia, los juegos de luces y la edición rítmica constituyen recursos que inspiraron nuevas formas de abordar la música en el cine. A su vez, la película favoreció una visión más irónica y autocrítica de la fama, tan acorde con la sociedad hipermediatizada de inicios del siglo XXI.
En lo que respecta a la representación de género y sexualidad, Chicago se atrevió a romper con los estereotipos. Las mujeres en papeles principales no son meramente objetos de deseo o personajes secundarios; son ejecutoras que manipulan, seducen y desafían. Este enfoque fue innovador en los grandes musicales, permitiendo interpretaciones más complejas sobre el rol femenino en el cine.
Un evento cultural y cinematográfico
Chicago significó algo más que un éxito de taquilla o una producción premiada. Se transformó en un emblema de renovación, fusionando las cualidades del teatro musical con la elegancia del cine actual. Su enfoque en combinar dramaturgia, ironía y destreza técnica impulsó una nueva etapa para el género. De esta manera, su legado sigue presente, no solo por su impacto en producciones futuras, sino también por cómo logró conectar con los valores, inquietudes y deseos del público moderno.
